本文摘要：若是问一句话的信息量能有多大的话，那么汉代的儒生应该很有讲话权。由于西汉开国早期儒家经典与造纸术未普及前导致的书本匮乏，让许多汉代儒生无怨无悔的相信孔子写的《春秋》“微言大义”，以至于经书上的一个字，他们能注释出许多字来。这种学习态度，是真真正正的皓首穷经，其时的人一辈子能把一本书吃透就很了不起了。以《春秋》这本书第一句话为例：“元年，春，王正月”。 短短的六个字，《公羊春秋》注释为：‘元年’者何？君之始年也。‘春’者何？岁之始也。‘王’者孰谓？谓文王也。

若是问一句话的信息量能有多大的话，那么汉代的儒生应该很有讲话权。由于西汉开国早期儒家经典与造纸术未普及前导致的书本匮乏，让许多汉代儒生无怨无悔的相信孔子写的《春秋》“微言大义”，以至于经书上的一个字，他们能注释出许多字来。这种学习态度，是真真正正的皓首穷经，其时的人一辈子能把一本书吃透就很了不起了。以《春秋》这本书第一句话为例：“元年，春，王正月”。

短短的六个字，《公羊春秋》注释为：‘元年’者何？君之始年也。‘春’者何？岁之始也。‘王’者孰谓？谓文王也。显而易见，这种念书学习的方法是种错误的方法，今天的我们站在越发科学与进步的态度上，带着批判的角度，看待他们时，其行为难免有太过解读之嫌。

因此，对于历史文化遗产的解读方法的重要性便重要起来。对于这点，《谎话西方艺术史》即是很好的良性示规范子。本书作为通史性质的艺术科普书籍，在专业知识的背书下，很好的兼顾了历史真相与读者阅读趣味的平衡，让人读之欲罢不能。

其中，看完给我印象最深的，并不是书中一幅幅充满趣味性、偏重微观角度的名画赏析。而是在历史变迁中，艺术作品所展现的时代脉络。因此，本文浏览书中的艺术作品之余，会从宏观角度，联合相关历史知识，从西方古希腊与罗马、中世纪、文艺再起这三个时期的艺术作品中，探寻差别时期的艺术特点。

从而领导读者们在祸乱滔天中，明白到西方早期艺术之美的浮沉与觉醒。01、古希腊与罗马：美的界说时期，希腊对美明白具有进步、科学的认知，与此同时罗马继续了希腊文化对“美”的明白，为厥后的人们留下了无数名贵的文化遗产现实中基于缔造力之上的美也是一种无法量化的工具，然而希腊作为西方文明的源泉之一，却是破例。他们对于美的认知确是科学进步的，通过"黄金支解”的发现，让他们“量化”了美，领先了世界许多年。

①“黄金支解”古希腊是美的范例，这时期对美的认知是进步的，具有科学性如果无法量化的美能够量化，那么黄金支解即是一种可以量化用来形容美的比例关系。凭据这个1:0.618的比例所缔造出来的工具，对于我们人类来说无一不透出着莫名的美感。在黄金支解的运用中，小到平面的几何图形如黄金三角形、五角星，大到凭据这个比例所镌刻的古希腊雕像维纳斯都是如此具有美感，让人窒息。以肚脐为界线，维纳斯身体上下的长度之比约为0.618:1，脑壳和身体的比例是1；8，无论从谁人角度看都是最美的“黄金比例”。

古希腊人在镌刻时会严格遵照这个比例，他们开创性地定下了这些数字，去资助民众认识美与丑，这是人类认知的庞大进步维纳斯也是古罗马的爱与美之神，它对应着希腊神话中的阿弗洛狄忒，一直以来都是美的象征之一。人们对维纳斯的推崇，正如人们感官上对美的本能愉悦与推崇那样，是执着的，不行撼动的。这让我相信，或许差别时期，人们的审美尺度，对于美的明白一直在变，但差别领域中，经典之所以能成为经典的原因，也在于它所代表的工具是某一领域中的标杆与翘楚。

以至于厥后的创作者们所创作出来的作品，要想获得客观的评价的话，任何的逾越与不如，都是通过与标杆对比中才气获得的。因此，西方厥后的艺术家们创作了许多版本的维纳斯，诸如1538年文艺再起时期，著名画家提香版《乌尔比诺的维纳斯》都没有这个约公元前2世纪版本维纳斯经典的原因，也正是因为缺乏“黄金支解”运用所展现的时代进步性与历史厚重气息。提香版的维纳斯并不是神，她只是一位收入很高的外交花，而且把放在一个有着浓重家庭气氛的情况里，让维纳斯走下神坛。

它或许意味着文艺再起时期“人文主义”的觉醒，让人与神职位同等，有着一定的历史意义。但这种历史意义显然没有古希腊版的维纳斯对现代人重大，因为它预示着，通过“黄金支解”这一美的范例的发现，让我们相信作为西方源头之一的古希腊某种水平上“界说”了美。

从而让它们逾越时空的距离，渊源流传，成为厥后文艺再起思潮的气力源泉，深深的影响着我们今天。古今两个版本维纳斯的对比②“汉承秦制”古罗马美的传承，罗马继续了希腊对美的认知事实证明越是优秀的工具，经由时间磨练也是容易流传的工具。

“汉承秦制”这一历史现象也并不只是单纯的在东方世界泛起。在西方世界，古罗马对希腊的艺术认知是整体继续的，甚至继续之余，他们另有一定水平的融合。希腊人很早就发现，规整是可以让人发生仪式感的。

如果把那些密密麻麻的柱子修得又高峻又整齐，人们就会有肃然起敬的感受。这种柱式气势派头也是希腊修建的典型代表，现留存世的帕特农神庙即是希腊的历史遗产之一，它的气势派头深深的影响着厥后的罗马，成为罗马人艺术上对希腊的继续证据之一。

帕特农神庙的设计代表了全希腊修建艺术的最高水平。它接纳是八柱的多立克式，工具两面是8根柱子，南北两侧则是17根，工具宽31米，南北长70米。工具两立面（全庙的门面）山墙顶部距离地面19米，也就是说，其立面高与宽的比例为19:31，靠近希腊人喜爱的“黄金支解比”，难怪它让人以为优美无比。

这种修建气势派头，深深的影响了厥后的罗马帝国，凭据考古资料讲明，约公元6世纪的庞贝古城遗迹中便大量接纳了希腊人的修建设计。简直，自从公元前 299年罗马势力开始侵入巴尔干半岛的历史历程中，随着希腊化诸王国陆续死亡，罗马人逐渐成为希腊人运气的主宰。但这种主宰它除了导致希腊这个有形的城邦死亡外，更多的还是无形中体现出两种文明碰撞融合的影子。罗马完美的继续了希腊的先进文化，也继续了希腊对美的明白。

这种明白，体现在其时的修建设计上，罗马通过对希腊气势派头的继续上，为后人留下了诸如庞贝古城、凯旋门、古罗马水渠等大量珍贵的历史遗迹，从而让今天的我们得以在祸乱滔天的历史变迁中，惊鸿一瞥，窥见两种文明的历史缩影。左帕特农神庙 右庞贝古城遗迹02、中世纪：美的平庸时期，艺术为宗教服务，带有很强的目的性，与此同时，创作者们期待美的种子早已悄悄播种，等候着一次觉醒的旅程罗马帝国在悠久的岁月中缓慢窒息后，在长达千年的中世纪里，西方社会在一系列社会动乱与黑死病等天灾下，人们义无反顾的投入了宗教的怀抱中，期待能够获得灵魂的救赎。宗教权力彻底掌握了欧洲的世俗世界，让这一时期服务于宗教的欧洲艺术变得“死气沉沉”，一度让人忘记在谁人继续希腊文化的罗马时代，西方艺术之美是如此的优秀。①中世纪艺术作品凝滞死板中世纪最有名的作品，叫《面包和鱼的奇迹》。

这幅看起来凝滞死板的镶嵌画讲了一个简朴却震撼人心的宗教故事：耶稣用五个面包和两条鱼变出了无穷无尽的食物，喂饱了5000个辛苦劳作的男子。在这幅画中，人物样貌相同，心情和行动都很机器，与希腊罗马时期灵动飘逸的人物形成了强烈的反差，这无疑是显着的退步，也是艺术创作之美的平庸时期。究其泉源，还在中世纪，艺术创作的目的就是流传教义。

因为在基督教教义中有一条划定：克制偶像崇敬。神存在于万物之中，你可以感受到他，可是你窥探不了他，所以不允许把神的形象画出来。既要用详细的形象宣传教义，又不允许在教义里泛起传神的画像。折中的措施就是把人物形象画得呆一点，重点是要让民众通过故事感受到神的伟大，而不是画作自己的优秀与否。

在宣传教义这一强烈目的性下，艺术创作者们对于美的认知早已退步凝滞死板。这种退步就像用胶水粘住琴弦一样，再也发不出美妙的音乐。创作者们灵感的火花也早已枯萎，这让我相信，他们不再是一群可以被尊称为艺术家的人，而仅仅是为教会劳作，一群差强人意的工匠而已。不外这一时期也并不是一无是处，它至少为我们后人对美的认知提供了一定的对比参考性，究竟我们后人浏览艺术作品，想要提升美的认知时，也只有认识到什么是“平庸”，才会明确“优秀”的难过难得。

而另一点失之东隅，收之桑榆，或许其时的艺术作品，对于艺术创作所带来的美感是整体平庸的，可是对于教义的流传确是十分到位的。看人们如何取舍而已，只是这种取舍的价格无比漫长，让西方背负了1000多年。

面包和鱼的奇迹②乔托黑黑暗的举火者，他让艺术突破了宗教的限制乔托的泛起打破了中世纪的平静，为被形式化的艺术注入了新的活力。他除了发现出一种被他称为“短缩法”的技巧，通过注重光线的运用让二维的画有了三维的空间感外，更多的是他天马行空的想象力，为中世纪的画画上了心情，使得厥后的创作者们开始重新审视人性的存在。《悲悼基督》是乔托最著名的作品之一，它的泛起让中世纪画中的人物第一次有了心情。物极必反，当人性被宗教打压到没有地方驻足时，历史似乎开了个玩笑。

乔托演绎《新约》里犹大叛逆基督导致基督被钉死在十字架这一经典故事时，融入了人性的优美，显得通情达理。在乔托的《悲悼基督》中的逻辑里，面临至亲离世，每小我私家都市悲痛欲绝，神和凡人也不破例。他们围在失去的基督身边，都露出了痛苦的神情。

这种演绎方式，或许意味着在乔托眼中，神和人是一样的，都市有喜怒哀乐。但乔托不知道的是，他无形中间接肯定了人性的优美，将艺术作品中消失千年之久的人性再次赋予了“神”，从而让人们对“神”的认知不在高屋建瓴，拉近两者的距离，让人看到人与神平等的一面。

乔托突破了宗教的限制，实验打破了宗教的极重枷锁后，让其时的人们开始重新审视起人性来。当宗教和神权的影响开始逐渐被削弱，人们的关注点便开始从“神”回到了“人”身上，因此真实的情感获得了的表达，美的作品才会纷纷泛起。于是历史的风向在这一刻悄悄转变，厥后的人们认知美时，即将迎来对人性彻底认识与回归的文艺再起时代。

《悲悼基督》中人与神都显得很伤心3、文艺再起：美的觉醒时期，对人类独占智慧的推崇与赞美是这个时期典型代表之一，另外对个体自我价值的充实关注与肯定，彻底宣布了一个辉煌时代的到来人们为了利便影象，往往把一些时代中具有代表性的人物归纳在一起用总称表现。这种归纳法，在中国就是“竹林七贤、唐宋八大家”等，而在西方文艺再起时期就是“文艺再起三杰”。

文艺再起三杰各有偏重，后人曾经这样评价他们：“达芬奇画出了人的神秘，米开朗基罗镌刻出了人的强壮，而拉斐尔画出了人的漂亮。”因此，文艺再起三杰中对我感慨最大的即是拉斐尔，虽然他笔下的圣母画慈祥无比，可圈可点富有人性上的慈祥美；但究其作品的时代历史意义来说，他作品中的美，还是在于画出了人具有智慧的奇特美。①一叶落知天下秋，拉斐尔画出了人类智慧的美《雅典学派》创作于1509-1511年间，是拉斐尔的一大代表作，也是文艺再起时期的典型作品。

他的泛起意味着人们在宗教恒久的压制下，开始重新审视人的智慧之美来。作者通过高明的创作技巧，让古希腊先贤的风范展现无遗，成为跨越时代的艺术精品。自古希腊以来，西方文化一直把哲学看作是最为高贵的学问。

该画也选取了古希腊具有代表性的哲学家柏拉图与亚里士多德师徒作为画作的焦点。画中的柏拉图左手拿着他著名的文章《蒂迈欧篇》，右手食指指向天空。

柏拉图的学说，讲的是逾越人类社会的“理念世界”，他追求的是心灵的升华、精神体验。而阿里士多德的左手是他的著作《伦理学》，右手则是整个掌心面向大地。

和老师柏拉图相反，他体贴的是现世的秩序规则，好比执法、道德。伦理，相比于心灵、精神，这些其实是更实在的工具。在拉斐尔天马行空的想象力下，让希腊差别时期的哲学伟人汇聚在一起，他们在一个叫雅典的名义下配合讨论哲学理念。这种讨论有共识，有分歧、有低头沉思，也有默默执条记录。

在我看来，无论先贤们体现形式如何，他们的行为归根结底所展现的，都是真理的搜集与凝聚历程。甚至以小见大，它也象征着文艺再起时期的人们开始重新追求真理和智慧来。雅典学派②阿尔布雷特·丢勒自我价值的首个关注者自画像这一艺术体裁，在西方早期绘画中很是少见。因为自中世纪以来，在基督教艺术里，画像、雕像只能属于神，人是卑微貌寝的，自画像不仅被认为是对艺术的亵渎，更是对神的不尊重。

固然除了宗教上的原因，另有现实社会的原因，在其时，画家只是被视作职位低下的手工艺人，或者是爽性的体力劳动者而。因此，十三岁就创作出第一幅自画像的阿尔布雷特被称为自画像之父。

而在他另一幅传世的中，我们可以瞥见丢勒笔下的画作中，其时的艺术家们开始打破了人们固有的习惯和看法，肯定自我价值的意义来。在谁人时代，神可以被化成正面，但人只能是侧面。在这种设定下，文艺再起三杰中的米开朗在西斯廷教堂的天顶画里为自己披上了圣徒的外衣，《雅典学派》中的拉斐尔也只能露出半张脸。

而在《穿毛皮领大衣的28岁自画像》这副画中，阿尔布雷特是正面，他的神态与姿势，在光线的运用下静穆庄严如同耶稣一般。甚至阿尔布雷特把自己画成基督之余，居然还在画上写“这画的就是我，丢勒。

”在我看来，丢勒在用自己的方式，以此宣告世界：你要看到我、重视我。文艺再起时期，这无疑是关注我价值的一种强有力的证明。

他的系列自画像也以此开创了西方自画像的先河，影响了后世所有的画家，把它当成关注自我、反省自我的方式。甚至丢勒画完自画像还署名后，他安享晚年并没有受到宗教的迫害。或许这预示着西方的艺术家们彻底挣脱了中世纪以来宗教的桎梏，迎来了一个西方艺术全新壮盛的时期。

《穿毛皮领大衣的28岁自画像》04、由古希腊罗马实验界说，到中世纪的平庸，以致文艺再起时期的觉醒，一场文化之旅后，我们现代人该如何树立起正确的审雅观来？差别时期对美的认知与明白也纷歧样，无论是古希腊与罗马，还是中世纪，以致文艺再起；范例、平庸、觉醒等它们都成为了历史的已往，也成为了时代的见证者。或许这就是艺术作品的意义，在时代遗留的艺术特点中，捕捉到历史的生长。

那么我们当下该如何树立正确的审雅观，在世事的变迁中继续对“美”保持一种敏锐的视察力来？第一、雅俗共存，文野互见，我们浏览美时不能有任何主观上的偏见受儒家礼义廉耻看法的影响，东方人对性一直保持着守旧的看法，认为人体的美与性有关的内容都是不入流，俗不行耐的工具。纵然有《金瓶梅》《聊斋志异》这类优秀的历史文化遗产，我们也大多盖以糟粕之名，难以流传。于是中国人便只能在正襟危坐的君子之道中日渐迷失，带着偏见，浏览不了差别西方文化的艺术作品，固步自封起来。

西方的艺术家们否则，他们斗胆露骨的赞美赞扬人体的美。他的画出了少女年轻时的青春胴体之美，也画出了男子们肌肉结实紧致的气力之美。甚至他们基于有形的形体之上，无形中肯定人思想的美，这无疑不是一种对美的浏览与赞扬，值得我们学习与借鉴。

一旦主观上的偏见形成，对美的感官尺度下了界说，那么我们所获得的便不再是美，而仅仅是流水线上批量生产可以复制，缺乏深刻内在的工具。因此，如“君子不器”般，我们也只有抱着雅俗合流，文野互见的正确审雅观，才气明白到美的差别形态，体会到艺术作品渊源流传的生命力与熏染力。

米开朗基罗《大卫》第二、逆向思维，联合创作配景，倒推创作者的艺术诉求逆向思维是种很重要的能力，善于使用逆向思维的人也往往容易打破通例，事半功倍。这种能力在浏览艺术作品时同样重要。我们也只有逆向思维，联合艺术作品的创作配景，倒推到创作者的艺术诉求时，才气真正抵达作品的精神内核，从而让我们在以后的生活中，时刻对美感保持一种敏锐的视察力。

其实，除了古希腊版的维纳斯雕像外，约2.8~2.5万年前同样有一尊维纳斯雕像那即是《威伦道夫的维纳斯》雕像。这副雕像用我们现代人的眼光看，毫无美感可言，有的只是肉欲，然而它对于原始母系社会来说却是美得无与伦比的作品。其时的人类只是一个在森林中讨生活的小族群，只能拿着木棍和猛兽屠杀，效果自然是凶多吉少。对于这个时候的他们来说，生命的延续才是最重要的。

所以，女性之美的巅峰即是丰满的肉体，最好肚子也很大，这样也表示着肚子里另有一个生命。黑格尔的哲学常被人简化为正、反、合的辩证法，这种辩证法也是典型的逆向思维。

现实中的人们容易看到的效果，即“合”的一面，却容易忽略“正与反”的逻辑逆向推理辩证历程。因此，当事物的美凌驾我们的认知规模，变得不知所以时，我们也只有适当联合作品的创作配景，倒推出创作者的艺术诉求，才气时刻保持着这种对于美的敏锐视察力。

史前作品《威伦道夫的维纳斯》写在最后艺术的美源于生活又稍高于生活，它不是外星人突然丢到地球上的包裹，而是一代代艺术家用自己的作品推动、生长得来的精神产物。它的每一次转变都市凭据差别的社会政治和经济情况等而变化。因此，祸乱滔天中，我们浏览艺术作品时，其实看到的不仅仅是作品的艺术之美，而是时光褪去。

时代埋藏的浅显烙印。@端木自在。

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